vacuolas de no-significado

Descripción del proyecto virtual: vacuolas.

Las vacuolas de no significación son un componente típico del protoplasto de la multiplicidad. En una no-célula ya adulta las vacuolas carentes de significado generan planos de inmanencia a partir de plasmáticos sonidos e imágenes que duran; y a su vez éstas se disponen conectadas de manera rizoplasmática, es decir una malla no-significativa. Esta red de vacuolas, cuyo significado es vacuo, se presentan en el citoplasmático medio de las conexiones electrónicas, concretamente en no-una significativa deriva de las miles que Internet proporciona.

Esta fina red de cordones que no-significan conectados uno tras otro pretende no narrar no significado y percibir algo que no significa nada.

La vacuola como efecto no-significativo.

Vacuola de no significado.

Cuando uno está perdido puede, elocuentemente o no, formular nuevas preguntas, en consecuencia, genera nuevas respuestas.

Me remito a esta frase para no-aclarar el contenido de mi propuesta. Respondiendo a una invitación para producir una sistematización del concepto comunicar pervirtiendo sus mecanismos de percepción en la mayor medida posible. Esa es la impronta del mensaje que pretendo asociar a mi reflexión.

La vacuola es la parte de la célula que se preocupa por la no proliferación de los elementos de desecho que elabora la célula. Esta función, en su mayoría, es vilipendiada en detrimento del núcleo de la célula. De ahí, las connotaciones negativas que se le asignan a las palabras como reserva, desecho, veneno, afuera… Sustancias o elementos que a favor de lo cordial son eliminados del pensamiento humano y celular para consentir la elaboración de lo perfectamente perceptible. Por lo que una variante a ese aséptico deseo de lo correcto sería una percepción en la que no se delimita el núcleo si no la vacuola: el afuera y su reacciones eléctricas entre sus componentes. La emancipación de estos activos respecto al pensamiento masivo nuclear es lo que se pretende con la difusión de este proyecto conseguir. Una percepción vacuolosa carente de significado.

Lo que potencialmente diferencia a un nucleolo de significado de una vacuola carente de éste mismo es : la Fortuna. La Suerte. El Azar o lo Cotidiano son el desprestigio de lo proyectual, o del sistema estructuralista de la percepción. Con lo que un nuevo axioma casi, por no decir enteramente, aparecería de manera azarosa dentro de las membranas peritoneales del planteamiento.

En referencia a la técnica del proyecto. El planteamiento se ha desarrollado y pensado para su difusión por medio de la red: Internet. El proyecto corresponde a una deriva no significativa, debido en su mayor parte a la potencialidad de este medio de provocar un impacto afueroso en la nucleosa percepción de lo estipulado. Mediante la utilización de técnicas y tecnologías nuevas relacionadas con la obtención de imágenes y sonidos mediante computadores que responden a un sistema binario he conseguido la obtención de vacuolas de no-significado en cuyo estado en si mismo representa una interacción de una vacuola sobre otra, gracias a la particularidad de lenguajes de programación interactivos y de objetos llamados ActonScript 2.0. Los softwares anteriormente citados han sido de real efectividad, a la hora de capturar y transformar el movimiento fortuito de una gota de de agua mezclada con yodo en un lienzo resbalante. Este movimiento partido en diferentes fases ha propiciado los diferentes objetos interactivos que se presentan. Además se han utilizados nuevos lugares públicos y gratuitos preestablecidos dentro de Internet. Los espacios son los siguientes:

http://lonosignificado.webcindario.com/

http://formulapregunta.webcindario.com/

http://generarespuesta.webcindario.com/

http://vacuosignifica.webcindario.com/

http://noconceptualiza.webcindario.com/

http://loquesignifica.webcindario.com/

http://nosignifica.webcindario.com/

http://vacuolacion.webcindario.com/

http://denosignificado.webcindario.com/

http://nosignificanada.webcindario.com/

http://sinsignificado.webcindario.com/

http://nadadena.webcindario.com/

http://significa.webcindario.com/

http://vacuola.webcindario.com/

http://nosignificacion.webcindario.com/

En referencia a los antecedentes que pueda yo haber utilizado me gustaría, sobretodo, hacer hincapié en el concepto de interactividad ya que con él la referencia se hace más plausible y coherente. Por ello me gustaría comenzar con la fórmula Arte = Vida que el artista alemán Joseph Beuys identificó como suya allá por la segunda mitad del siglo pasado. Acabada ya La II Guerra Mundial, los desperfectos de las vanguardias artísticas se pulen con la aplicación de la postmodernidad, avalada por un sentimiento de inseguridad desempeñado por la Guerra Fría y su Telón de Acero. Durante este periodo triunfa en el arte una retroalimentación de los sentidos que viene impuesta por las tendencias estadounidenses del nuevo imperio capitalista: Clement Greenberg y el expresionismo abstracto. Joseph Beuys nació el 12 de mayo de 1921 en Krefeld. Durante la guerra fue piloto. Después estudió escultura en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde también fue profesor de 1961 a 1972. En los años 70 y 80 desarrolló actividades en todo el mundo. Sus obras fueron exhibidas en la Bienal de Venecia, el Guggenheim Museum de Nueva York y el Seibu Museum of Art en Tokio. En 1979 se presentó como candidato de Los Verdes para el Parlamento Europeo. Murió el 23 de enero de 1986 en Düsseldorf. Para Beuys, "todo ser humano es un artista", y cada acción, una obra de arte. Con esa concepción ampliada del arte despertó revuelo y desató debates en todo el mundo. Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar impulsos para la reflexión. Dispuestas ya las líneas generales de los aspectos vitales de este artista de Dusseldorf me encantaría destacar una de sus obras más interactivas, a la par que interesantes; con el título de 7000 Oaks (7000 Robles) Beauys proyecto para la Documenta VII una acción en la que la escultura se desvanecía como objeto para potenciar en primer término al público participante en la propuesta. Lo destacable aquí es la acción comunitaria que provocaría lo que él denominó: La escultura social. Es destacable dentro de los aspectos de la interacción la capacidad de acción-reacción de un público que deja de ser observador para convertirse en coautor para ello se requiere de la fórmula artística del alemán y de la interactividad. La finalidad de este proceso respondía a un engranaje o arquitectura de lo social que se correspondía con una fusión de los agentes que intervenían en el proyecto llámese público-receptor, llámese autor-emisor. Desde luego la vertiente participativa de la interactividad potencia las relaciones sociales; anteriormente mencionábamos lo que son los componentes rizomáticos de las estructuras de la interacción, algo que desprende una fricción positiva respecto al valor de la disposición de los ambientes y ejemplos interactivos. Pero este aspecto de cohesión socializante no acaba Beauys, aunque ya lo veremos más adelante.

Llegados a este punto me gustaría analizar la obra de un artista sonoro que se dedicó a resolver la fórmula del alemán desde un prisma más compositivo en lo que hace referencia al lenguaje de los sonidos: John Cage. La vertiente de Cage es un ápice más espiritual, debido sobretodo a su interés por la cultura oriental, aunque eso no deja de lado los aspectos más lúdicos de sus creaciones. John Cage fue uno de los promotores del espíritu de vanguardia en América de Norte. Su influencia trascendió las fronteras de Estados Unidos. La huella de Cage se propagó y estimuló en el arte occidental la exploración de nuevas formas de sensibilidad. Influenciado por Varese, Ives, y el budismo zen, Cage derrumbó los límites habituales de la experiencia musical. La música suele relacionarse con la audición de la llamada música clásica culta o la diversidad de los estilos musicales. Pero la música es esencialmente combinación de sonidos. Pero la primacía de la forma compositiva trasciende la matriz sonora, material y vibratoria que bulle como primer elemento de toda composición musical. Cage, como el zen y el arte de los sonidos del futurista Luigi Rusuolo, valoró la trascendencia esencial de cada sonido singular. La música no se restringe a los sonidos irradiados por la variedad de los instrumentos musicales. Cada sonido que espontáneamente nace en las corrientes vibratorias de la naturaleza o en la vida urbana es parte de una música generalmente no percibida. Para transmitir ese estado de percepción, Cage apeló a nuevas formas de composición nutridas por el azar y la espontaneidad, o la inclusión de la presencia del silencio. En 1952 estrenó su composición legendaria 4’ 33”. Su intérprete David Tudor “tocó” los tres movimientos(33”, 2’40” y 1’ 20”) mediante el cierre sistemático de la tapa del piano y su apertura al final de cada movimiento. La emisión de los sonidos para la cual se habían dado cita los espectadores no era para ser oída, sino para ser musicalizada por éstos, sus movimientos, sus respiraciones, sus incredulidades, sus desesperaciones, etcétera, todo estaba dispuesta para que los mismo oyentes fueran instrumentalizado el concierto.

Por supuesto Cage no sólo se centro en los contenidos sonoros para sus presupuestos musicales; y es en este punto donde se introduce otro factor en referencia a la disparidad de disciplinas que se realizan para provocar una extensa situación de ingravidez perceptual en el emisor-generador. La intermedia cumple los requisitos indispensables que antes mencionábamos para capturar e incitar a la acción al público-actor. Es aquí donde deseo ubicar la figura de Allan Kaprow integrante del grupo fluxus. Allan Kaprow se inicia en el campo de la pintura. A partir de 1952 abandona el expresionismo abstracto para pasar al collage, realizado con materiales diversos como papel de periódico, fotografías, telas, comida...Más adelante realiza "ensamblages" de objetos diversos, realizados para unos espacios determinados. Cada vez el espectador va adquiriendo un papel más importante. Los primeros happenings de Allan Kaprow tienen lugar en espacios fuera del circuito artístico: apartamentos, almacenes, gimnasios...
En 1970 pasó a llamarlos actividades. Sus obras se dedicaban a hacer perceptibles pequeños gestos cotidianos y a involucrar a los participantes, creando una especie de microeventos. Estos happenings o actividades eran de carácter lúdico y este es otro de los aspectos que se destacan dentro del estudio de la interactividad, ya que la estructura interactiva se acoge, como antes explicábamos a la participación es por eso que una estrategia lúdica y divertida obtendrá mayores resultados de implicación.

Llegados a este punto convendría enfatizar el alineamiento entre el arte y los nuevos medios, es decir la tecnología propiciando un salto más cualitativo en lo que se refiere en la acción reacción del elemento interacción. Para ello nos centraremos en los setenta y en el surgimiento de la tecnología y el consumo de la era de lo Pop. Las estrategias capitalistas avanzaban abriendo mercados y generando industrias con los avances tecnológicos, esto conllevaba una mayor implicación del consumidor en los medios de participación para poder convencer a este de que el uso y disfrute de un producto radicaría en él potencial de éste para poder manejarlo con facilidad y destreza. En el mundo del arte se estaban consiguiendo grandes avances de acción-reacción es por eso que se empieza a invertir y gestionar en los avances artísticos que significaban interacción del espectador. Para gestar este tipo de propuestas se fraguaron diferentes tipos de relaciones entre disciplinas de la ingeniería, el cine, la danza o la música. El espectro audiovisual acababa de comenzar como baladí de las nuevas fuerzas modernas. A muchos de estos investigadores se les cedió la técnica, estudios de televisión, salas de cine, potapacks, etcétera. Fue así como se puso por primera vez en manos de artistas la creación de un programas televisivo producido por WGBH y emitido en 1969. A Aldo Tambellini, Thomas Tadlock, Allan Kaprow, James Seawright, Otto Piene y Paik se les brindó la oportunidad de explorar y potenciar la creatividad dentro del medio televisivi-audiovisual. Aunque sin lugar a dudas lo que indagaron más respecto al medio videográfico y su promoción de la interactividad fueron los hermanos Vasulka que construyeron su propio laboratorio, donde se consagrarón a la producción e interacción de imágenes de video y sonido, con aparatos de fabricación propia. Pero la producción audiovisual necesita de objetos o sujetos que escenifiquen un acontecer; hace falta la teatralidad de la acción, la escenificación de los hechos expuestos para que elaboren una conducta preformativa de aplicación interactuada en los sujetos-objetos-actores. Para ello me refiero ahora a la provocación de la artista austriaca Valie Export. En 1967 Waltrud Lehner-Hollinger (Linz, Austria, 1940) decide convertirse en Valie Export. Dos años después sale a la escena pública como marca registrada a través de un pastiche publicitario, "Valie Export-Smart Export". Ya en esta obra temprana encontramos algunas de las constantes de su obra, como son el tema de la identidad, el cuestionar los medios de comunicación y su afán por destruir la imagen tradicional de la mujer como objeto. Valie Export ha constituido durante tres décadas una figura de referencia en la escena artística internacional. Su gran versatilidad le ha permitido alternar la creación de performances, fotografías y films de ficción con películas experimentales, cine expandido, videoinstalaciones, o discos. En sus comienzos estuvo ligada al proyecto accionista vienés pero pronto pasó a confrontarlo con su compleja crítica feminista sobre el cuerpo social y político. Toda su obra está impregnada de interés por el psicoanálisis, el lenguaje y el vacío existente entre las representaciones mediáticas y la realidad. Con gran audacia y cierto sentido del humor busca demostrar el sin sentido de las identidades impuestas por los medios de masas y la tradición. En esta línea hay que destacar una de sus obras más radicales: Tap and Touch Cinema, Expanded Movie, 1968, Viena. En esta acción la artista de Linz deambula por las calles de Viena con una especie de caja hueca sujeta a su torso. Sus pechos están desnudos y lo que la artista pretende es que el público varón intente tocar sus senos en la vía pública delante de otras personas. Objetivo: una reacción pudorosa que consiga aniquilar la supuesta superioridad masculina en lo referente a la sexualidad y la capacidad del varón en estos asuntos. Entramos de lleno en aspectos que vehiculan este estudio a la interacción con motivo o fines aleccionadores ejecutados por una vertiente política y de compromiso.

Para finalizar me gustaría referirme a este trabajo como algo en efervescencia, como una percepción inacabada, imperfecta como las vacuola que en él se presentan una acaba con la otra pero a la vez una genera a otra. Por esta razón me vinculo e este método como posible receptáculo de mi futuro.

BIBLIOGRAFÍA

Deleuze, Giles Guattari, Félix. Rizoma. Pretextos.

VVAA. Arte del siglo XX. Taschen.

Wiedermann, Julios. Web Design: Portafolios. Taschen.

Pescador, Dario. ActionScrpt 2.0. Anaya.